La Girafe en feu

L'émergence de la psychanalyse et le travail de Sigmund Freud ont été des influences majeures sur l'artiste, ainsi que la production cubiste de Picasso et le travail d'autres surréalistes, tels que Miro et des peintres classiques, dont Vermeer et Velazquez.

Ceux qui viennent à Dali pour la première fois, le plus souvent à travers les planches colorées des livres d'art, sont souvent surpris de constater que les toiles et les planches réelles sur lesquelles il a engagé son travail sont beaucoup plus petites qu'on ne l'imaginait. La girafe brûlante en est un exemple.

L'œuvre date de 1937 lorsque Dali avait 34 ans. Il a été peint en Espagne, avec des huiles à bord, avant le séjour américain de Dali au début des années 1940. La peinture mesure 35 cm X 27 cm et est actuellement conservée au Kunstmuseum de Bâle en Suisse.

En 1937, l'Espagne était en proie à une guerre civile sanglante et on pense que la peinture représente à la fois les insécurités que l'artiste ressentait à propos de ce conflit, ses luttes avec son propre pays et son propre monde subconscient plus profond de rêves et de perceptions. Il est plein d'images qui agissent presque comme des motifs qui reviennent fréquemment dans l'œuvre de Dali.

Il est intéressant que le titre du tableau soit La Girafe en feu car cette image, beaucoup plus petite que les deux formes féminines du premier plan, ne peut être vue, presque en relief, qu'au fond de l'image lorsque l'œil recule vers l'horizon. Dali a utilisé pour la première fois l'image d'une girafe en feu, qu'il a appelée le monstre apocalyptique cosmique masculin, dans le film L'Age d'Or (l'âge d'or) qu'il a réalisé en collaboration avec Luis Bunuel en 1930.

L'image revient à nouveau dans une œuvre beaucoup plus tardive (1975) au pastel et à l'aquarelle, La Girafe en feu in Brown, également connue sous le nom de Giraffe Avignon. Pour beaucoup, la girafe travaille pour Dali comme un animal totem, la girafe brûlante étant considérée comme une prémonition de guerre ; tandis que le feu est représentatif d'une mort dangereuse, empreinte de sens.

L'éclatement de la forme féminine et la mystification entourant la sexualité féminine, combinés au fétichisme sont des thèmes communs à Dali. Ici, les deux personnages principaux sont clairement féminins, mais ils apparaissent sous une forme presque squelettique comme ce que Dali appelait, la femme coccyx.

La peau semble s'écailler, exposant ce qui se cache dessous, caché, l'une des principales idées véhiculées dans cette œuvre. Les personnages se tiennent isolés les uns des autres et du reste du tableau, dans un paysage de rêve que l'artiste a créé par une utilisation exceptionnelle de la couleur.

Les personnages sont sans traits, privés de la vue ou de l'ouïe, mais le personnage au premier plan tend la main vers quelque chose, peut-être symbolique de la position que les femmes ont atteinte dans leur cheminement vers l'égalité. Le tiroir qui s'ouvre sur le thorax, ainsi que les sept petits tiroirs qui s'ouvrent sur la jambe gauche de la figure principale, forment ce que Dali appelait le cabinet anthropomorphe. Cela nous ramène à Freud et aux tiroirs secrets de la psyché humaine qui ne peuvent être ouverts que par la psychanalyse.

Du point de vue de Dali, il s'agissait de supprimer la vie intérieure et subconsciente et d'apprivoiser la bête intérieure.

Les femmes sont objectivées et désirées et cela est réprimé et le vrai moi est caché parce que ces choses ne sont pas socialement acceptables. Et pourtant, Dali était conscient de ce qu'il appelait, les odeurs narcissiques émanant des tiroirs qui rendaient presque impossible de résister à leur ouverture.

Des formes indéfinies émergent du dos des deux formes féminines. Ces formes pourraient-elles être un autre des dispositifs artistiques préférés de Dali, des horloges fondantes ou des montres souples, comme on le voit peut-être dans son œuvre la plus célèbre, La persistance de la mémoire (1931) ?

La plus petite figure tient ce qui semble être un morceau de chair dans sa main, un appareil également présent dans The Great Masturbator (1929). La viande crue est perçue comme l'appel à un retour à la nature primitive, à une redécouverte de l'être intérieur.

Les deux formes féminines sont soutenues par des béquilles, encore un autre des motifs communs de Dali vu dans plusieurs de ses œuvres, mais peut-être mieux utilisé dans Sleep (1937) et moins dans Le fantôme de Vermeer de Delft qui peut être utilisé comme table (1934).

Dans La Girafe en feu, les béquilles sont clairement de nature masculine, représentant un système patriarcal sans lequel beaucoup pensaient que les femmes seraient impuissantes. Ils sont phalliques par essence, la domination masculine sur le corps des femmes.